Les temples tendent à être réalisés entièrement en pierre, y compris les colonnes lesquelles sont représentatives de divers ordres ou styles architecturaux.

L'ordre dorique, né en Grèce, s'est répandu partout. La colonne dorique, sans base, se termine par un chapiteau simple fait d'un élément circulaire évasé, l'échine, et d'une dalle carrée, l'abaque.
Sur les colonnes repose l'entablement, composé dans l'ordre dorique d'une architrave lisse et d'une frise où alternent des éléments à rainures, les triglyphes, et des plaques presque carrées, les métopes, d'abord peintes, puis sculptées.



Le fût, légèrement renflé et plus large à la base (forme tronconique), porte 20 cannelures contiguës.

L'ordre ionique s'est épanoui en Grèce de l'Est, mais s'est diffusé également au-delà, notamment à Athènes, où il par la suite modifié à l'époque classique avec l'introduction du chapiteau corinthien, à feuilles d'acanthe, plus décoratif et plus pratique grâce à ses quatre faces semblables.
La colonne ionique a une base formée de moulures variées et un chapiteau comportant un motif dont les extrémités s'enroulent, formant des volutes sur les deux faces principales, et sur les autres des cylindres, l'abaque est mince et décoré. Le fût, aux proportions plus élancées que la colonne dorique, porte 24 cannelures ou plus, séparées par des bandes.
Sur l'architrave ionique, à trois bandeaux, repose une frise lisse ou ornée d'une décoration en relief continue. À la puissance et à la rigueur de l'ordre dorique, l'ordre ionique oppose légèreté, richesse décorative et variété.





D'autres types de bâtiments deviennent fréquents, notamment les trésors, élevés dans les sanctuaires pour abriter des offrandes et semblables à de petits temples.

Deux types dominent : le kouros (jeune homme nu debout au repos) et la koré (jeune fille drapée). Il s'agit d'images idéalisées offertes dans les sanctuaires ou placées sur les tombes. Elles obéissent au principe de la frontalité : leur axe vertical ne subit ni flexion, ni torsion. Jambe gauche avancée, bras le long du corps et poings serrés.
Chez les Grecs, le culte de la nudité totale était une conséquence de leur sens de la perfection humaine (être à l'état des dieux), et possédait donc un aspect éthique, non seulement physique.

Le kouros, qui apparaît vers la fin du VIIe siècle, dérive de modèles égyptiens mais la fabrication en série permet une maîtrise de la technique des sculpteurs caractérisée par un meilleur rendu de l'anatomie.

Les korés de l'Acropole d'Athènes (-500) illustrent en majorité un type ionien qui s'est imposé aux dépens de conceptions plus sobres. Le corps féminin intéresse moins les artistes que les jeux de plis et les multiples détails de la parure.

De 575 à 500 av. JC environ, kouros et korés arborent le "sourire archaïque" qui leur confère un aspect animé et plaisant mais les oeuvre tardives apparaissent même maussades.


La sculpture en ronde-bosse comporte diverses illustrations comme "le Moscophore", ou porteur de veau au rendu maladroit (v. 570, musée de l'Acropole), des groupes équestres, des sphinx posés sur des colonnes ("Sphinx des Naxiens" -570 à Delphes) ou couronnant des stèles et surtout des personnages assis.

Par ailleurs, les principes de la sculpture architecturale se mettent en place. Les frontons tendent vers l'unité du thème et de l'échelle et font appel à la ronde-bosse (temple d'Apollon à Delphes).

Les métopes des temples et des trésors doriques reçoivent un décor en relief témoignant de la richesse inhérente à l'architecture ionique, avec ses caryatides en façade, ses deux frontons sculptés et une frise continue traitant un thème par face ; le côté le plus en vue étant plus travaillé.

Les vases attiques, appréciés pour leur forme et leur décor, prennent la place de la céramique corinthienne qui dominait lors de la période précédente.

Les peintres de vases athéniens adoptent la technique de la figure noire, dans un premier temps, en peignant de grandes figures, puis en se portant vers la décoration orientalisante où les scènes mythologiques sont toujours présentes. Par la suite, les artistes s'inspirent der la vie quotidienne (l'ivresse dyonisiaque) et améliorent le rendu des plis et des visages, parfois de face.

Vers 530 apparaît la figure rouge sur fond noir, invention athénienne . La technique consiste à réserver les figures en peignant le fond en noir. Les détails intérieurs sont indiqués au pinceau à l'aide de vernis plus ou moins concentré. Les artistes représentent des attitudes complexes, des détails anatomiques et s'efforcent de rendre le volume par le dessin, mais aussi en ombrant de lavis des zones en retrait.

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PÉRIODE CLASSIQUE (V. 480-323 AV. J.-C.)


La période classique, de la fin des guerres médiques au règne d'Alexandre le Grand, correspond à la maturité de l'art grec.

Période préclassique ou sévère (480-450 av. J.-C.)
Après la victoire des Grecs sur les Perses, la nécessité de remédier aux destructions provoque une intense activité artistique, notamment à Athènes, devenue première puissance politique et économique de la Grèce. L'austérité des formes et des visages fait parler de sculpture sévère.

Dans la construction, le style dorique domine. Un bon exemple est offert par le temple de Zeus à Olympie, construit vers 460, comportant un péristyle classique à 13 rangées de 6 puissantes colonnes.

Sculpture

Les sculptures du temple de Zeus sont particulièrement représentatives de cette période. Le fronton est évoque les préparatifs de la course de chars. La centauromachie du fronton ouest et certains des travaux d'Héraclès représentés sur les métopes continuent la tradition des scènes mouvementées.
L'Aurige de Delphes (v. 477 av. J.-C. Bronze, hauteur : 1,80 m) est l'une des rares oeuvres de ce type que l'on ait retrouvée. Il s'agit d'un ex-voto, c'est-à-dire une offrande dédiée à Apollon dans son temple de Delphes. La sculpture représente un conducteur de char vainqueur d'une course, et on peut apprécier le rendu du mouvement, la finesse du portrait et l'intensité du regard.
Dans les représentations humaines, le poids du corps se porte sur une jambe, au-dessus de laquelle le bassin se relève. Les femmes portent le péplos, tunique de laine épaisse stricte. La forme humaine est simple: le profil grec — nez prolongeant le front-, visages souvent impassibles ou graves.

Peinture et céramique

Les artistes parviennent à rendre l'émotion sur les visages et la transparence des draperies, mais la principale innovation concerne l'espace : au lieu de reposer sur le bord inférieur, les personnages sont placés à différents niveaux, avec des éléments de décors (bâtiments, végétation). L'œil n'apparaît plus de face dans les visages de profil, comme c'était le cas à l'époque archaïque.

Comme les peintres, les décorateurs de vases créent la profondeur, étagent les personnages, tentent d'exprimer les émotions et créent un décor polychrome sur fond blanc.

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Premier classicisme (450-400 av. J.-C.)

C'est le dernier grand moment de la céramique attique à figures rouges, au travers du style miniaturiste rivalisant avec celui des sculpteurs: sujets mythologiques savamment composés, où prédominent les figures féminines donnant lieu à des effets de drapé tour à tour mousseux et plaqué au corps, qualité extrême du graphisme.
Toutes les femmes (jeunes femmes à leur toilette ou à leurs travaux de filature et de tissage, joueuse de flûte, fillettes jouant à la balle, préparatifs de mariage) sont jeunes, jolies, vêtues de tissus précieux dont la transparence révèle le charme de leur corps notamment par la perfection du drapé mouillé.

D'autres oeuvres imitent la sculpture du courant maniériste, y compris sur les vases funéraires, en accentuant la valeur décorative avec un rendu d'étoffes de broderies. La technique à fond blanc connaît un grand succès tandis que se développe la polychromie par la maîtrise de la cuisson des pigments bleus et du verts. En parallèle, on note aussi un retour de la figure rouge sur fond noir.

Dans la peinture de fresques sur les constructions, les artistes ont résolu les problèmes de la perspective et du clair-obscur et ils maîtrisent le trompe-l'œil.

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Second classicisme (v. 400-323 av. J.-C.)
La défaite d'Athènes dans la guerre du Péloponnèse ouvre une période de rivalités entre les cités, à la faveur desquelles Philippe II, roi de la Macédoine voisine (359-336 av. J.-C.), réussit à imposer sa domination sur la Grèce (338). Son fils Alexandre (336-323) conquiert l'Empire perse ; à sa mort, le monde grec comprend l'Égypte et tout le Proche-Orient, jusqu'à l'Inde. Dans ce monde en transformation, l'art reflète la diminution du sens communautaire lié à la cité et l'émergence de l'individu, avec sa sensibilité et ses passions.

Dans les temples doriques, les espaces intérieurs se dégagent et s'enrichissent grâce à des matériaux colorés et au décor, auquel participe le chapiteau corinthien. Les recherches décoratives concernent en particulier les tholos, édifices ronds, doriques construites à Delphes (v. -380) et à Épidaure (360-330), ainsi que la tholos ionique d'Olympie (Philippeion -330).
L'ordre ionique connaît une renaissance surtout en Asie Mineure (Éphèse vers -330).
Peu après le milieu du siècle commence la série des tombes macédoniennes qui dure environ deux cents ans. Creusées sous la terre, elles comportent une voûte en berceau surmontée d'un tumulus et comprennent une chambre et un vestibule derrière une façade à décor architectural.

Après une période marquée par la poursuite du maniérisme, la sculpture retrouve une certaine sobriété ; elle se distingue du premier classicisme, épris de grandeur, par des préoccupations plus humaines.

L'Athénien Praxitèle, introduit dans l'art la jeunesse et la grâce, en portant un intérêt nouveau à la féminité avec une Aphrodite au bain, première représentation en sculpture de la déesse nue mais pudique.

Les personnages masculins adoptent une pose plus sinueuse, parfois athétique, parfois efféminée: modelé moelleux du torse, visage rêveur aux lignes estompées (sfumato),draperie réaliste, introduction d'éléments naturels dans la composition (troncs d'arbres).
Dans son Hermès portant Dionysos (marbre de 2,10 m vers -340) du temple d'Héra à Olympie, Praxitèle, exprime grâce et sensualité.
Le sculpteur Lysippe annonce l'art hellénistique par le traitement réaliste des mouvements et de la musculature tandis que dans son système de proportion plus réaliste où la tête équivaut à un huitième de la dimension de la statue lui donnant une allure plus élancée que dans la période précédente (cf. "Doryphore" de Polyclète). Travaillant aussi le bronze, on lui attribue l'Ephèbe d'Anticythère (-340).
Scopas de Paros, également architecte, est réputé pour des expressions intenses et pathétiques: bouche entrouverte, narines palpitantes, mais surtout le traitement de la zone des yeux. Comme Praxitèle ou Lysippe, il inaugure une veine, exploitée à l'époque hellénistique.

La peinture grecque atteint son apogée malheureusement beaucoup d'oeuvres de l'époque ont disparu. Les figures se détachent sur le fond blanc, dessinées d'un trait rapide, soulignées par des hachures pour rendre les volumes ; la couleur est appliquée par touches selon une manière qualifiée d'impressionniste. L'ensemble est peu coloré, mais traduit profondeur et expression.
La mosaïque grecque prend son essor au IVe siècle av. J.-C. ; réalisée à l'aide de galets naturels, elle offre un revêtement de sol décoratif comme un tapis et facile à laver.
La peinture de vases n'est plus guère représentée à Athènes mais davantage en Italie du Sud. Le décor est souvent surchargé, comme la forme. Les personnages ne sont plus réservés, mais peints sur le fond noir.

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PÉRIODE HELLÉNISTIQUE (V. 323-31 AV. J.-C.)


L'art hellénistique se développe en Grèce et dans l'Orient conquis par Alexandre le Grand. Après une phase de conflits (v. 323-275 av. J.-C.), les réalisations les plus originales apparaissent dans les royaumes issus de la division de l'empire d'Alexandre le Grand (v. 275-150), en particulier Alexandrie en Égypte et Pergame en Asie Mineure. Des formes mixtes naissent de la rencontre de l'art grec avec les traditions orientales.
La troisième phase (150-31) correspond à la domination romaine mais le vaincu subjugue son farouche vainqueur, déjà familier de l'art grec du fait de la présence de colonies helléniques installées en Italie. Les artistes romains deviennent les émules.
Les progrès dans l'imitation de la réalité (mimésis) en constituent l'apport majeur, mais l'art est aussi marqué par une tendance tournée vers le passé. Ce style réaliste a un retentissement considérable, puisqu'on le décèle jusqu'en Chine.

L'architecture des temples montre une évolution, surtout à partir du IIe siècle. Ils deviennent plus petits et leur plan traduit une tendance à accentuer la façade. Au lieu d'être au centre d'un espace, visibles sous toutes les faces, avec une mise en scène du temple dominant un complexe impressionnant de terrasses et d'escaliers (îles de Rhodes et de Kos). Des sanctuaires spécialement aménagés sont prévus pour les divinités orientales.

Les ordres s'adaptent à des effets nouveaux. Les colonnes ioniques très espacées traduisent une recherche de légèreté qui entraîne aussi la diminution de la hauteur de l'entablement. Dans l'ordre dorique, les colonnes deviennent minces, presque sans galbe ; on compte 3 métopes par entrecolonnement à l'entablement des temples (au lieu de 2 antérieurement). La partie inférieure du fût peut rester lisse tandis que, dans le haut, les cannelures laissent la place à des facettes. Désormais, l'ordre dorique et l'ordre ionique se combinent dans les colonnades extérieures et le chapiteau corinthien se répand dans le péristyle des temples.


Les édifices cultuels perdent leur primauté au profit de l'architecture fonctionnelle, représentée par des bâtiments publics liés à la vie sociale, situés en majorité autour de l'agora. Un édifice remplit presque toutes les fonctions : le portique. Souvent de grande dimension, à plusieurs nefs et à étage, il peut abriter des salles contre le mur du fond. Pratique, il joue également un grand rôle esthétique, conférant un aspect monumental aux espaces qu'il borde, aussi bien dans les sanctuaires qu'en ville. Des portiques dignes d'une capitale apparaissent à l'époque hellénistique sur l'agora d'Athènes.

Des installations spécifiques comprennent des salles de réunion destinées aux assemblées et équipées de gradins, des tribunaux, des théâtres, du type de celui d'Épidaure (v. -300), des bibliothèques, dont les plus célèbres se trouvaient à Pergame et à Alexandrie.


Pour l'hygiène et le sport se multiplient des bains, des stades, des gymnases avec des pistes aériennes et couvertes et des palestres, ensembles de salles autour d'une cour à péristyle et cadres d'activités culturelles autant que physiques. S'y ajoutent des installations liées à l'artisanat, à l'industrie et au commerce. Le phare d'Alexandrie, installé dans l'île de Pharos, compte parmi les Sept Merveilles du monde.

Des villes nouvelles, au plan régulier (sosu réserve d'adaptation au relief) s'accompagnent de belles demeures témoignant de l'enrichissement des particuliers. Elles comportent un péristyle autour de la cour intérieure et des pièces variées: salles de réception, salle à manger, cuisine, salle de bains, latrines, chambres et appartements des femmes à l'étage ; des locaux indépendants servant de boutiques s'ouvrent sur la rue.
La fonction royale entraîne la construction de palais. Des villes de plus en plus nombreuses s'entourent de remparts.

La sculpture renonce à privilégier la beauté et représente sans restriction les âges, les activités, les conditions sociales et les races. Elle explore la sensibilité et la conscience, traite de l'amour et de la souffrance mais aussi des états particuliers comme l'ivresse et le sommeil. L'intérêt pour l'individu bénéficie avant tout au portrait.
Sur ce courant réaliste se greffent un goût pour l'exotisme et une veine qualifiée de rococo qui met l'accent sur les sujets mineurs, charmants ou bizarres, essentiellement décoratifs. Le baroque est la plus impressionnante des nouvelles formes de goût (École de Rhodes - Victoire de Samothrace, v. 190 av. J.-C.).
L'admiration pour l'art du passé s'accompagne de la constitution de collections et de la production de copies et d'œuvres dérivées, en particulier à la demande des Romains (par exemple la Vénus de Milo (v. 100 av. J.-C., musée du Louvre).

Remplaçant les pavements et mosaïque de galets, l'emploi de tesselles, petits cubes de pierre et d'autres matériaux colorés, permit une réalisation plus raffinée et plus réaliste des motifs des mosaïques grâce aux variations de couleurs permettant de créer l'illusion du relief.

La peinture dont peu de traces subsistent, atteint la plénitude de ses moyens avec des thèmes très variés: mythologie, religion, histoire, scènes de la vie ordinaire, natures mortes, paysages champêtres...
Une forme de décoration murale imitant une construction luxueuse se développe avec l'emploi de stuc modelé et coloré sur les parois mais la perspective géométrique reste imparfaite car toutes les lignes ne convergent pas vers un point de fuite unique.